二、复调的发展轨迹
“复调”是“Polyphony”的中文译名，也称“复调音乐”（该词源于希腊语Polyphonia），由两个不同构词成分组合而成，“poly-”表示“多”“复”等，“-phony”表示“音”“声”之义。20世纪初（约二三十年代）将其译为“复音音乐”，或“多声（部）音乐”。这两个不同译名与如今通用的“复调音乐”（或简称“复调”）都源属于同一个词汇“Polyphony”，但对这个词的不同译名所表达的概念内涵，则体现了复调音乐不同阶段的发展历史。
公元9世纪以前，代表欧洲文化的古希腊和古罗马音乐都是“单声（部）音乐”。850年才出现了“多声（部）音乐”，但从多声音乐的“奥尔加农”（Organum）到13世纪的“狄斯康特”（Discantus），因各声部的节奏大多是同步性的，所以它们还不是真正意义上的“复调音乐”，这或许是将其称之为“复音音乐”的主要缘故。事实上，作为早期复调音乐的“萌芽”，其织体形态也同时倾向于后来发展而成的“主调音乐”（Homophony）。因此，《新格罗夫音乐与音乐家辞典》关于“Polyphony”的解释是：“起初含有多个声部的音乐，与其相对的是单声部音乐（Monophony）。” [1]而没有将这个词解释成“复调音乐”并与“主调音乐”相对。
14世纪中叶开始是进入复调音乐发展的重要时期，尤其是“对位”的首次提出，用以说明复调音乐是根据一系列规则同时发声的结合。因此，按照一系列对位规则写作的“复音音乐”或“多声（部）音乐”，才最终演变成真正的“复调音乐”，并由此发展到18世纪中叶。如同《牛津简明音乐词典》所表述的，所谓复调音乐是“几个同时发声的人声或乐器声部对位性地结合在一起的音乐，与单声部音乐（只有一个旋律）和主调音乐（一个声部是旋律，其余声部为伴奏）相反”。[2]
我们知道，“单声部音乐”（Monophonic，希腊语），若从古希腊音乐到格里高利（天主教皇，Pope Gregory，590-604 在位）圣咏（或称素歌），则持续约一千四百年（600B.C.-800A.D）。但从9世纪开始，西方音乐出现了革命性的转变，即发现了“多声部音乐”（Polyphonic,希腊语）。尤其是复调音乐的产生最大限度地扩展了音与音之间、旋律与旋律之间、横向与横向之间的关系，时间和空间也由此产生了错综复杂的变化，也才使音乐有丰富的内涵。从此多声部音乐经历了复调音乐与主调音乐风格的交替发展。
从15世纪文艺复兴时期（1450-1600）到18世纪巴洛克时期巴赫去世（1750）主要是复调音乐风格。在此期间复调音乐经历了三个高峰：一是法国佛兰德乐派的精致且技艺高超的对位法，如奥克冈（Johannes Ockeghem，约1410-1497）把自创弥撒固定旋律配置到任何一个声部中，来构建复杂的对位织体。二是以意大利作曲家帕莱斯特里纳（Giovanni da Palestrina,1525-1594）风格为代表的教会声乐复调，成为文艺复兴时期的典范。三是德国作曲家巴赫（Johann Sebastian Bach，1685-1750）集大成的复调音乐在和声、节奏及配器的处理上，体现了与以往截然不同的对位手法，成为巴洛克复调音乐的真正象征。
从18世纪中叶的古典乐派到19世纪末的后期浪漫派则发展成主调音乐风格。主调音乐是在大小调功能和声基础上有一个旋律声部浮现在表层，借以反映明确的个性和主观意识，它与世俗生活的联系更为紧密。各种和弦对旋律的支撑，是为了创造出新音响，其紧张度与色彩成为运用和声技术的主要准则。
进入20世纪以来是复调音乐的复兴时期。现代作曲家逐步摆脱了以往调式功能和声体系和法则，进而探索新音乐风格来符合更强烈的个性化要求，他们大多从横向的旋律“线条”来思考，突出的是“对位”，并着眼于由旋律线条紧密结成的规整织体，体现了“回到巴赫”和早期复调音乐关于技巧、秩序和脱俗的思想。
注 释
[2].[英]迈克尔·肯尼迪、乔伊斯·布尔恩编：《牛津简明音乐词典》（第四版），人民音乐出版社， 2002年版，第907页。